La vie d'une femme à l'époque était difficile et elle travaillait principalement sur les scènes de femmes héroïques, en particulier les guerrières et celles qui étaient victimes de la société patriarcale. Utilisant son style dramatique, son travail se retrouve dans plusieurs musées prestigieux dans le monde. Elle a travaillé sur sa pièce Autoportrait en Sainte Catherine d'Alexandrie en 1615-1617 après son célèbre procès pour viol en 1612, où elle a subi tant de tortures, y compris ses doigts écrasés pour vérifier qu'elle disait la vérité.

Sainte Catherine d'Alexandrie était une sainte chrétienne qui a été martyrisée et torturée au 4ème siècle par l'empereur Maxence qui l'a condamnée à mort sur une roue à pointes. Elle s'appuie sur la roue brisée avec des pointes de fer avec sa main tenant l'instrument de torture et une paume sur l'autre près de sa poitrine.

Cet art dépeint en effet la souffrance que l'artiste a dû affronter à l'âge de 17 ans lors de ce procès. Agostino Tassi, qui travaillait avec son père Orazio Gentileschi, l'a violée après avoir été embauché pour être son tuteur. Après le procès, elle s'est mariée avec Pierantonio Stiattesi de Florence. L'art a les dimensions suivantes : 71,5 cm sur 71 cm (28,1 po sur 28 po) utilisant de l'huile sur toile et se trouve à la National Gallery de Londres. Elle s'installe à Florence après son procès où elle réalise cet autoportrait. Elle s'est développée rapidement après avoir déménagé, tant sur le plan artistique que sur le plan de son caractère et de sa confiance.

Initiée à la peinture par son père, elle est plus déterminée que ses frères, qu'ils ont aidés ensemble à l'atelier de leur père. Tout comme son père, son style était inspiré du Caravage mais son style était plus réaliste et naturel que celui de son père qui était plus idéalisé. Elle a remporté tant de succès à Florence en étant la première femme à être acceptée à l'académie des arts, "Accademia delle Arti Del Disegno". Elle revient à Rome en 1621 mais son travail n'est pas apprécié comme elle l'espérait. Plus tard, elle rejoignit son père à Londres lorsqu'il devint peintre de cour à la cour de Charles Ier d'Angleterre où ils travaillèrent ensemble sur tant de pièces. Elle mourut plus tard gracieusement en 1656.

Ce tableau a été acheté assez récemment (2018) par la National Gallery de Londres, au Royaume-Uni, pour un montant impressionnant de 3,6 millions de livres sterling. Le fonds pour cela a été constitué par un certain nombre d'organisations caritatives qui cherchent à protéger l'affichage culturel du Royaume-Uni. L'institution était naturellement ravie de l'achat et s'est immédiatement lancée dans la construction d'une impressionnante exposition sur la carrière de l'artiste dans laquelle elle serait dévoilée au public. Un certain nombre de ses œuvres ont été prêtées d'ailleurs pendant plusieurs mois et une publication perspicace a également été publiée en conjonction avec cet événement.

La National Gallery se concentre principalement sur l'art antérieur au XIXe siècle, et il n'y a pas beaucoup de femmes qui ont acquis une notoriété tout au long de la période de l'art européen qu'elle couvre, rendant l'acquisition d'un tableau de Gentileschi particulièrement importante. L'arrivée de cette œuvre dans une institution comme celle-ci a également permis aux chercheurs scientifiques d'étudier la pièce de manière très détaillée, là où normalement celles des collections privées ne sont pas vraiment accessibles de cette manière.

L'ancien propriétaire de ce tableau a dû réaliser un bénéfice considérable après avoir acheté le tableau pour environ 2,4 millions d'euros fin 2017. Bien que ce prix soit bien supérieur au prix indicatif d'origine, le vendeur pensait qu'il pourrait être revendu à profit ailleurs. . Même avec les frais dus à toute vente aux enchères, la vente ultérieure l'année suivante représente une entreprise réussie, bien que cet individu reste inconnu.

Pour mettre les choses en contexte, il s'agissait du premier achat d'une peinture par une artiste féminine pour la National Gallery depuis 1991, ce qui reflète le manque évident d'œuvres d'art disponibles pour ces périodes plus traditionnelles de l'art européen. Par exemple, s'il s'était plutôt concentré sur l'art plus contemporain, il y aurait eu beaucoup plus d'opportunités potentielles au cours des dernières décennies, comme avec Kahlo, O'Keeffe, Cassatt ou Morisot, pour n'en citer que quatre. Il n'y a pas grand-chose à faire à ce sujet, à part chercher à approfondir le travail des femmes artistes baroques et de la Renaissance, et tenter de

La National Gallery continue d'offrir l'une des sélections d'art les plus impressionnantes au monde et bénéficie de la force de l'Empire britannique au cours des siècles précédents. Aujourd'hui, il existe un certain nombre d'organismes caritatifs qui contribuent à enrichir la collection chaque année, tout en essayant d'apprendre de nouvelles choses sur les peintures qu'ils possèdent déjà.

La possibilité de voir la majeure partie de leur collection entièrement gratuitement est l'un des grands avantages de la visite de galeries publiques au Royaume-Uni, qui tente de permettre au plus grand nombre de personnes possible de se renseigner sur l'art et l'histoire, tout en encourageant une augmentation du tourisme étranger. . En règle générale, les grandes expositions sont des événements payants, coûtant près de 20 £ dans la plupart des cas, mais la vaste collection permanente est suffisante pour vous occuper pendant de nombreuses heures et cela reste offert gratuitement. De plus, les artistes ont afflué dans cette galerie pendant des décennies, cherchant à en savoir plus sur les grands maîtres afin d'améliorer leur propre capacité technique.